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Dirección: Raúl Tamez y Rodrigo González
El FIDCDMX celebra su onceava edición reuniendo a destacados referentes de la danza contemporánea. Desde su creación en 2016, este festival se ha consolidado como una plataforma clave para la exhibición del talento nacional e internacional en la Ciudad de México, acercando al público a propuestas dancísticas de la más alta calidad.
ADN Dialect + La Infinita Compañía
Suiza + México
Pieza: No plan B
Concepto y coreografía: Angelo Dello Iacono
Dirección y composición musical: André Hahne y Ben Schwendener
Músicos en escena: Bajo André Hanhe; Piano Ben Schwendener; Saxo Guillaume Perret.
Producción ejecutiva Adn.dialect: Irina Hayipanteli
Producción ejecutiva local: a definir
Sinopsis
Los artistas, enfocados en la construcción de un tetraedro perfecto, tienen que improvisar y enfrentarse a constantes cambios de espacio. ¡Una pieza que evoca el concepto de adaptabilidad en el momento presente y la conexión permanente que vive el ser humano con el espacio y las fuerzas del universo!»
Creado por la compañía ADN Dialect, el « Mouvo Drome » es un tetraedro, una instalación piramidal compuesta de barras y cuerdas elásticas. Está diseñado para desafiar la adaptabilidad de bailarines y músicos en una situación escénica inestable.
Construida en vivo en el escenario por los artistas, la pirámide divide el espacio creando innumerables geometrías cambiantes. Esta realidad cambiante ofrece a los artistas de No Plan B, un entorno donde deben tocar música y bailar en el momento presente y calcular intuitivamente las distancias, sentir las perspectivas creadas por los cambios de espacios disponibles, anticiparse y dejarse llevar.
Para esta producción única, el Mouvo Drome sirve como una estructura transformadora para que músicos y bailarines, juntos, revelen sus verdaderas habilidades y valores.
Filosofía «Durante 1 hora de música y baile, No Plan B transmite un mensaje crucial para nuestro tiempo. Necesitamos ser intrépidos. Realmente no hay otra opción. Comprometidos. Todo adentro. Este es el mensaje que resuena entre los jóvenes y los mayores de la comunidad mundial. Hoy, con una urgencia muy real, debemos encontrar soluciones para aprender a jugar juntos y apreciar la belleza de nuestras diferencias, ¡porque no hay plan B!»
Johnny Millán
México
Pieza: Territorio de otros (manifiesto)
Idea original, creación, interpretación y vestuario: Johnny Millán
Música original: Gil Tapia
Iluminación: Victor Manuel Ruiz
Realización de vestuario: Liliana Escobedo
Sinopsis:
Vivimos dentro de una red de relaciones que delinean lugares que son irreducibles unos a otros y absolutamente imposibles de superponer, los lugares son imaginados como articulaciones concretas de estas relaciones sociales, el lugar es un punto de encuentro poroso, abierto, híbrido.
La idea de acumularlo todo, la idea de formar una especie de archivo, el propósito de encerrar en un lugar todas las épocas, todas las formas, todos los gustos, la idea de habilitar un lugar con todos los tiempos, que está el mismo fuera de tiempo y libre de sí, la época del cerca y el lejos, del lado a lado, de lo disperso, en estos. Lugares de otros.
Cristina Bucci
Canadá
Pieza: Project Inizi
Coreografía: Cristina Bucci
Intérpretes: Isak Enquist,Yuha Tomita, Kinui Oiwa, Noah McKimm, Nathan Coburn, Nali Richards
Frase de investigación: Rosalie Caron, Eowynn Enquist
Música: Asian Approach y Yatiyana por Culture Clash, Pink y Golden Billows por Brambles, Tlaqna por Ruben Zhara
Diseño de iluminación: Gillian Hanemayer
Diseño de vestuario/Ojo externo: Maiko Miyauchi
Sinopsis:
La palabra «Inizi» significa «comienzos» en italiano, lo que representa un nuevo capítulo en mi trayectoria artística. Tras más de veinte años de trabajo colaborativo, este es mi primer proyecto coreográfico liderado de forma independiente y una oportunidad para dar un paso adelante como creadora individual y abrazar la evolución de mi voz artística.
La inspiración para Project Inizi se basa en mi largo compromiso para preservar y promover el estilo de la danza callejera de Locking. En 2007, tuve el privilegio de entrenar con Greg Pope, uno de los bailarines que ayudó a formar y evolucionar la forma después de que Don “Campbellock” Campbell la creó a principios de la década de 1970. Greg, al apreciar mi dedicación, me confió la responsabilidad de ayudar a mantener vivo este estilo. Este trabajo honra dicha confianza y refleja mi deseo de compartir la historia, la música, la técnica y la importancia cultural de Locking con bailarines y públicos que tal vez se acerquen a él por primera vez.
Utilizando los gestos audaces, los ritmos sincopados, la teatralidad y la disfrutable energía de Locking, exploro temas de poder, jerarquía y la transformación colectiva en este trabajo. Los bailarines nunca habían tenido contacto con el Locking antes. Introducirlos a este desconocido estilo me permitió observar cómo cada uno de los bailarines absorbe, interpreta y reimagina este vocabulario con su propia voz única.
ADN Dialect + La Infinita Compañía
Suiza + México
Pieza: No plan B
Créditos:
Concepto y coreografía: Angelo Dello Iacono
Dirección y composición musical: André Hahne y Ben Schwendener
Músicos en escena: Bajo André Hanhe; Piano Ben Schwendener; Saxo Guillaume Perret.
Producción ejecutiva Adn.dialect: Irina Hayipanteli
Producción ejecutiva local: a definir
Sinopsis:
Los artistas, enfocados en la construcción de un tetraedro perfecto, tienen que improvisar y enfrentarse a constantes cambios de espacio. ¡Una pieza que evoca el concepto de adaptabilidad en el momento presente y la conexión permanente que vive el ser humano con el espacio y las fuerzas del universo!»
Creado por la compañía ADN Dialect, el « Mouvodrome » es un tetraedro, una instalación piramidal compuesta de barras y cuerdas elásticas. Está diseñado para desafiar la adaptabilidad de bailarines y músicos en una situación escénica inestable.
Construida en vivo en el escenario por los artistas, la pirámide divide el espacio creando innumerables geometrías cambiantes. Esta realidad cambiante ofrece a los artistas de No Plan B, un entorno donde deben tocar música y bailar en el momento presente y calcular intuitivamente las distancias, sentir las perspectivas creadas por los cambios de espacios disponibles, anticiparse y dejarse llevar.
Para esta producción única, el Mouvodrome sirve como una estructura transformadora para que músicos y bailarines, juntos, revelen sus verdaderas habilidades y valores.
Filosofía «Durante 1 hora de música y baile, No Plan B transmite un mensaje crucial para nuestro tiempo. Necesitamos ser intrépidos. Realmente no hay otra opción. Comprometidos. Todo adentro. Este es el mensaje que resuena entre los jóvenes y los mayores de la comunidad mundial. Hoy, con una urgencia muy real, debemos encontrar soluciones para aprender a jugar juntos y apreciar la belleza de nuestras diferencias, ¡porque no hay plan B!»
Laura Samy
Brasil
Pieza: 7 samurais
Concepción y dirección: Laura Samy
Dramaturgia: Renato Linhares
Intérpretes: Laura Samy, Eduardo Hermanson, Renato Linhares y Werik
Kikinho de Souza; Suplentes: Leonardo Laureano y Renann Fontoura
Iluminación y operación de luces: Tainã Miranda
Banda sonora original y voces: Sacha Amback y Juliana Amback
Vestuario y atrezzo: Ticiana Passos y Laura Samy
Responsable de prensa: Christovam de Chevalier
Programa visual: Christian Proença
Fotografía: João Penoni
Director de producción: Marcelo Mucida
Sinopsis:
Inspirada libremente en la película Siete samuráis, del cineasta japonés Akira Kurosawa, la obra refleja la situación de los samuráis, empobrecidos al final de su era, con la de muchos artistas de la danza en Brasil en la actualidad. Cómo es posible que una figura culturalmente tan importante ya no desempeñe un papel valioso en lo que respecta a las inversiones? Cómo podemos continuar con la formación y la dedicación necesarias para desarrollar tantas habilidades físicas e imaginativas? A quién le importa si el oficio del bailarín desaparece? Las preguntas, el contacto con el espectador y la lucidez de la experiencia artística invitan a perseverar. Los cuatro bailarines participantes, procedentes de diferentes formaciones, aportan a la investigación del movimiento los lenguajes del teatro, el cine y la performance, mediados por su experiencia cotidiana en las calles y en la escena contemporánea. El resultado es un intenso diálogo entre las diversas formas de presencia representadas y vividas en escena por estos intérpretes, que a veces remiten a imágenes icónicas de las guerras, pero también a encuentros amorosos de diversa índole.
El espectáculo relaciona lo clásico y lo contemporáneo, la calle y el espacio escénico, y también la danza y el teatro, reuniendo a artistas brasileños, intérpretes y equipo técnico con formaciones diversas y procedentes del diálogo directo con el territorio que habitan, entre la zona sur, el centro y la periferia de la ciudad de Río de Janeiro, formando un grupo que discute la cuestión de las diferencias en el cuerpo a cuerpo y en el interior de una obra artística.
Sin prisa, sin una rítmica o recursos sonoros que evidencien la dinámica de una danza, los intérpretes oscilan entre gestos performativos y la suspensión de la acción, recurriendo a la espera y la observación. El espectáculo invita a una ralentización del tiempo, de la danza, que invade los rostros, los gestos y las situaciones. La danza se encuentra con el teatro y muestra de forma literal y evidente las dificultades de sostener el cuerpo y la presencia en escena, revelando el lento y frágil proceso de constitución de algo nuevo.
Desde su creación en 2001, ADN Dialect se dedica a la creación de eventos artísticos con múltiples facetas, con el objetivo de promover ideales de paz e intercambios culturales productivos entre diferentes pueblos, culturas y estilos. Su objetivo es explorar nuevas formas de expresión a través de la interacción de todos los campos artísticos con la danza. ADN (que evoca el ADN de todas las formas de vida) significa Alternative Dance Nation, mientras que ‘Dialect’ identifica la investigación constante de las representaciones danzadas como un lenguaje atípico de intercambio más allá de las palabras.
Fundada hace 17 años, esta prolífica agrupación ha generado diversas plataformas para el desarrollo de la danza en México como el Teatro Varsovia, La Infinita Compañía Estudio y el Festival Internacional de Danza Contemporánea de la Ciudad de México. Con más de 40 obras de repertorio se ha presentado en Uzbekistán, Turquía, Argelia, Suecia, Japón, Marruecos, Australia, Estados Unidos, España, Cuba, Eslovenia, China y México. Año con año realiza más de 100 funciones y sus temporadas tienen un alcance de 10 mil espectadores. Dirigida por Raúl Tamez y Rodrigo Gonzalez, la compañía y sus directores han recibido múltiples premios y reconocimientos.
Inicia su formación dancística en el 2001 como bailarín de danza Folklórica, posteriormente realiza sus estudios profesionales de danza en la Escuela Profesional de Danza de Mazatlán dirigida por Delfos Danza Contemporánea. Ha sido beneficiario del FONCA en la categoría Creadores Escénicos categoría “A” y “B” y “Creador Escénico con Trayectoria 2022-2025” por el Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales. En 2011 gana el premio Culiacán de coreografía con la obra “Alexander”.
En el 2012 recibe del “Bates Dance Festival” en Lewiston, Maine, EUA, una beca para asistir como bailarín invitado en el marco de la celebración del 30 aniversario de dicho festival. En 2014-2015 participa en el 2do Diplomado en Coreografía “Cuerpos en Diálogo” que organiza el Centro de las Artes de San Agustín, Etla en Oaxaca. Ha realizado en repetidas ocasiones diseños de vestuario para óperas, danza, ballet, espectáculos masivos como el Carnaval de Mazatlán y lleva a cabo la producción de vestuario de Delfos danza contemporánea y la EPDM respectivamente.
Codirector artístico y académico de la Escuela Profesional de Danza de Mazatlán, bailarín de Delfos desde el 2005 y docente de la EPDM, actualmente colabora con Physical Momentum y Atlas dance Festival bajo la dirección de Francisco Córdova.
Ha sido una fuerza dinámica en la comunidad artística durante más de dos décadas, dejando una huella indeleble como coreógrafa, intérprete, educadora, productora y mentora; recientemente recibió el prestigioso premio Jacqueline Lemieux 2023 por sus excepcionales contribuciones a la danza en Canadá. Nacida en Malta e inmigrante italiana de primera generación en Canadá, agradece residir y trabajar en los territorios no cedidos de las naciones xwməθkwəy̓əm (Musqueam), Skwxwú7mes (Squamish) y Səl̓ílwətaʔ/Selilwitulh (Tsleil-Waututh), en lo que hoy se conoce como Vancouver, Canadá.
La trayectoria profesional de Cristina ha trascendido fronteras, brindándole la oportunidad única de contribuir a una gran variedad de proyectos diversos. Sus colaboraciones la han llevado a trabajar con instituciones de renombre como Lamondance Company (Canadá), Dancing on the Edge (Canadá), Yarita Yu Ballet (Japón), International Dance Seminar (Brasil) y KMA Dance/Orchestra (Japón). Ha interpretado obras de Tentacle Tribe, Alexandra Spiceya Landé, RubberLegz y Vee Ms Vee (Val Ho), ha actuado con Avant Garde Dance (Reino Unido) y ha participado en festivales de prestigio, entre ellos el Vancouver International Dance Festival, Frei Art Festival (Alemania), Quinzena de Dança de Almada (Portugal), Cypher Fest International Dance Festival (Yukón), Guelph Dance Festival (Ontario), Seattle International Dance Festival (EEUU.), Dance in Vancouver, Indian Summer Festival, Blend Animation Festival, Vancouver Street Dance Festival y Bass Coast Music Festival. Su talento también se ha exhibido en proyectos de cine y televisión como “Zoey’s Extraordinary Playlist”, “Riverdale”, “Lululemon”, “Grease: Rise of the Pink Ladies” y “Null”. Asimismo, aplica su experiencia entrenando a bailarines sobre hielo en el Champs International Skating Centre of BC.
En 2014, Cristina cofundó OURO Collective con el objetivo de fomentar la apreciación pública de la cultura de la danza urbana, uniendo esfuerzos para desafiar los límites en la creación y presentación de obras basadas en este estilo. Junto a OURO, ha co creado más de diez obras y recibió el premio Chrystal Dance Prize de Dance Victoria para colaborar con Rauf “RubberLegz” Yasit en la producción de un cortometraje y una obra de danza de larga duración titulada “7y98D”. El cortometraje se estrenó en NOWNESS y se ha proyectado en festivales de cine como Lago (Italia), Mignolo (EE. UU.), Cinedans (Países Bajos), TANZAHOi (Alemania) y Greensboro (EE. UU.). La estética de OURO también está presente en la campaña de Lululemon y el Equipo de Canadá para los Juegos Olímpicos de Invierno de 2022.
En 2019, Cristina recibió el premio de coreografía en la final del Youth America Grand Prix de Nueva York junto a su compañera coreógrafa Maiko Miyauchi, quien también ha trabajado en proyectos para CBC Arts, Jayda G, Translink, Destroyer, JJ Adrian y TRACE International Dance Intensive. Más tarde ese mismo año, Cristina recibió el premio “Women of Honor” con motivo del décimo aniversario de Diamonds in the Rough Crew, en reconocimiento a su contribución a la comunidad de danza urbana de Vancouver.
Como educadora comprometida, Cristina ha liderado numerosas iniciativas de divulgación y proyectos dirigidos a jóvenes, dejando una huella duradera en la próxima generación de artistas. Fue subdirectora del programa de formación en danza hip hop y funk “SOULdiers”, colaboró con organizaciones como Kidsafe, Share Dance (New Works) by Power of Dance (The Dance Centre), y forma parte de la junta directiva de la asociación comunitaria Bridge and Enrich Lives Society. Sus programas de divulgación han llegado a diversas zonas del noroeste del Pacífico y a Japón; además, en su calidad de nutricionista holística registrada, ha desarrollado talleres sobre el bienestar de los bailarines. Ha impartido sus seminarios en más de cien ocasiones para diversos programas y escuelas, entre ellos Gogh Ballet Academy, Vancouver Ballet Society (Spring Seminar), Harbour Dance Centre, Ballet Bloch Canada, Dancer Transition Resource Centre, Vanleena Dance Academy y The Happening Dance Company, entre otros. Cristina también ha trabajado como gerente de giras para OURO Collective y Action at a Distance/Vanessa Goodman, y actualmente se desempeña como directora de ensayos para la compañía Annex de Ballet BC y para su gira por la Columbia Británica.
De cara al futuro, Cristina emprende una nueva etapa en su carrera centrada en ampliar su repertorio como solista. Actualmente desarrolla una nueva obra en solitario, “Sisu”, así como una pieza grupal titulada “Project Inizi”. “Sisu” surgió de una residencia en BC Movement Arts y continuó a través de residencias artísticas en Dance Victoria y LEÑA, con presentaciones de la obra en proceso en “Rough Cuts” y “Dancing on the Edge”. Un fragmento de “Project Inizi” se estrenó en el festival “Dance: Made in Canada” de Toronto en agosto de 2025, y el estreno de la obra completa está previsto para agosto de 2026 en Vancouver.
Esta nueva orientación permite a Cristina explorar plenamente su potencial artístico, nutriéndose de su amplia experiencia en estilos urbanos, jazz y danza contemporánea. Su objetivo es crear espectáculos cautivadores, accesibles y teatrales que reflejen la diversidad y la profundidad de la experiencia que ha cultivado a lo largo de su carrera.
(1971, Río de Janeiro) es bailarina, coreógrafa y licenciada en Teoría del Teatro por la Universidad Federal de Río de Janeiro. Inicia su carrera artística como bailarina clásica en 1985 y, desde entonces, ha trabajado con diversos coreógrafos, directores y artistas visuales en proyectos que dialogan con la danza contemporánea, el teatro y la performance, entre ellos Alice Ripoll, Thiago Granato, Marcela Levi, Renato Linhares, Dani Lima, Gustavo Ciríaco, Enrique Diaz y Tunga. Su labor como coreógrafa comienza de manera gradual a partir de 2004 con el solo Dobra (Festival de Solos en Sesc/RJ), pero es en 2016, con “Dança Macabra”, cuando la artista pasa a concebir y desarrollar sus proyectos autorales de forma continuada. Con una amplia experiencia en la escena, dirige y escenifica sus creaciones, sola o junto a otros artistas colaboradores. Inspirada en temáticas que acercan arte, política y sociedad, invierte en el estudio profundo de gestos y rítmicas corporales en diálogo con otros lenguajes, como forma de combinar diferentes narrativas y recomponer, en cada ocasión, las relaciones entre cuerpo, espacio e historia.
Sus trabajos han sido presentados en festivales en Brasil, como MIT BR/SP, Panorama BR/RJ, la Bienal de Danza de Ceará y el Festival Internacional de Danza de Cariri, así como en residencias artísticas internacionales en Portugal (O Espaço do Tempo / Montemor-o-Novo), Alemania (Galerie Tête / Berlín y Universidad de Bellas Artes / Dresde), Francia (París, CND) y España (Sevilla, Atalaya TNT).
Entre 2024 y 2025 retoma la circulación del solo Dança Macabra, con el que participa en las muestras Movimientos de Solo (RJ), Modos de Existir (Sesc Santo Amaro/SP), CENIT (Atalaya TNT/Sevilla) y Coreografías Trocadas (Colectivo Corposições/Caxias do Sul). Es seleccionada para formar parte de la programación de MITsp/BR 2024 con el espectáculo 7 SAMURAIS.
Actúa como performer en las piezas Vastidão (Sesc Vila Mariana/SP) y Paisagem em Linha (Sesc Bom Retiro/SP), junto al coreógrafo Gustavo Ciríaco, y en la obra SAL (Sesc Copacabana/RJ), creación e interpretación bajo la dirección de Adassa Martins y Miwa Yanagisawa. Realiza los proyectos CRAVO — espectáculo (adaptación del film CRAVO / Convocatoria FUNARTE Retomada)— presentado en los festivales Bienal Internacional de Danza de Ceará y Mostra Dança Cariri Internacional, y en temporada en el Espaço Cultural Municipal Sérgio Porto/RJ; y REPERTÓRIOS – Dança Macabra y Ocas (Convocatoria Paulo Gustavo/Niterói), en colaboración con Leonardo Laureano.
En los últimos cinco años firma la dirección de movimiento en diversas producciones teatrales, entre ellas Vista, con dirección de Luiz Felipe Reis; Eu Pagu, con dirección de Miwa Yanagizawa y Maria Lucas; A Falecida, con Camila Morgado y dirección de Sérgio Módena; Meu Corpo Está Aquí, con dirección de Clara Kutner; y Língua, con dirección de Vinícius Arneiros.
Como curadora, productora cultural y educadora, ha ido construyendo otros espacios de actuación. Es creadora de la Mostra Caixote, muestra independiente de danza realizada en colaboración con la Escola de Cinema Darcy Ribeiro entre 2016 y 2019, promoviendo la circulación y visibilidad de artistas locales. En 2020 se desarrolló su primera edición en formato ampliado como Festival Caixote en el MAM, en codirección con la coreógrafa Alice Ripoll (Ley Aldir Blanc / Fomento a Festivales). Imparte cursos libres y talleres en diferentes espacios culturales de la ciudad; de forma intermitente, imparte clases junto a la Cia Rec/Alice Ripoll desde 2017.
Por causas de fuerza mayor, la transmisión en vivo fue suspendida.
